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MÉMOIRE DES POÈTES XV: RAYMOND ROUSSEL (1877-1933), cimetière du Père-Lachaise, division 89.

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   Cadet d’une famille de trois enfants, Raymond Roussel naît le 20 janvier 1877 au 25 boulevard Malesherbes, à Paris, au sein d’un milieu privilégié. Ayant déménagé, avec sa famille, dans un luxueux hôtel au 50 de la rue de Chaillot[1], l’adolescent est admis, à l’âge de seize ans, au Conservatoire national supérieur de la capitale, en classe de piano. En 1894, la mort de son père, riche agent de change, le met à l’abri du besoin, et lui permet de s’adonner pleinement à l’art[2].

  Raymond Roussel, qui écrit d’abord des textes pour accompagner ses partitions, délaisse finalement la musique rebelle à son inspiration[3], au profit de la littérature. À dix-sept ans, il compose ainsi Mon Âme, long poème à la métrique parfaite, qui sera publié, en 1897, dans Le Gaulois. Cette même année paraît, chez Alphonse Lemerre, à compte d’auteur, La Doublure, roman en alexandrins rédigé dans une extrême exaltation, suite à un voyage au Sud de la France et en Italie, période au cours de laquelle il éprouve une sensation de gloire universelle d’une intensité extraordinaire[4]. Le livre, qui décrit l’échec du comédien Gaspard Lenoir, éternelle doublure, et dépeint de façon minutieuse le carnaval de Nice, ne rencontre aucun succès. Roussel tombe en dépression : J’eus l’impression d’être précipité jusqu’à terre du haut d’un prodigieux sommet de gloire, déclare-t-il ainsi[5]. Chargé de le soigner, le célèbre psychiatre Pierre Janet évoquera son cas dans l’essai De l’angoisse à l’extase, en 1926.

  Le jeune homme fréquente alors les salons mondains, rencontre les grandes figures de ton temps, tel Marcel Proust, ou Jules Verne, qu’il décide de visiter en 1899. Vers 1900, il écrit également une série de poèmes basés sur un principe d’homophonie, regroupés après sa mort sous le titre de Textes de grande jeunesse et de Textes-Genèse, ainsi que deux vastes fresques dramatiques : La Seine, gigantesque drame de sept-mille vers, riche de quatre cents personnages, puis, Les Noces. Demeurés inédits, les manuscrits ne seront retrouvés qu’en 1989, par hasard, cachés dans une malle, au fond d’un garde-meuble. Roussel, en effet, ne publie à cette époque que quelques textes minimalistes, aux antipodes des fresques citées. Parus en 1904, toujours chez Alphonse Lemerre, les trois poèmes de La Vue décrivent ainsi des éléments minuscules, tels une étiquette collée sur une bouteille d’eau minérale, tandis que le bref conte intitulé Chiquenaude narre un mystérieux spectacle, sur scène. D’autres courts textes paraissent alors dans le supplément dominical du Gaulois.

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   Sorti en 1910, le roman en prose Impressions d’Afrique qui marque une forme d’aboutissement esthétique, séduit notamment le très mondain Robert de Montesquiou, mais ne rencontre, une nouvelle fois, aucun succès public. Pire, l’adaptation théâtrale menée par Edmond Rostand, en 1911, suscite un tollé. Complexe, l’œuvre décrit le naufrage du paquebot Lyncée près des côtes africaines. Capturé par l’armée de l’empereur Talou VII, l’équipage prépare un spectacle, comprenant de bien surprenants numéros, et intitulé « Le gala des incomparables ». Charmé, le souverain libère les prisonniers le lendemain de la représentation. Le livre, qui commence par le tableau sans explications du gala en question, et se poursuit par le portrait des personnages, déroute assez naturellement le lecteur, qui ne comprend le sens de l’action que dans la dernière partie. Affecté par ce nouvel échec, marqué par la mort d’une mère dont il reste très proche, Raymond Roussel s’isole, ne fréquentant plus guère que Charlotte Frédez, dite « Dufrêne », une maîtresse officielle, affichée complaisamment pour masquer une homosexualité non assumée. Paru en janvier 1914, Locus Solus semble prolonger le geste initié dans Impressions d’Afrique : inventeur un peu fou, double fantasmé de l’auteur, Martial Canterel[6] invite ses amis à se promener dans son jardin, baptisé « locus solus » (le « lieu unique » en latin). Les protagonistes découvrent ainsi diverses créations, toutes très singulières, à l’instar de cette tête encore vivante de Danton, d’un énorme diamant de verre contenant une danseuse, ou encore d’un chat sans poil. Le clou du spectacle semble être atteint lorsque Martial Canterel présente à ses individus huit tableaux vivants, faisant intervenir des hommes prisonniers d’immenses cages en verre. Morts, mais ponctuellement ressuscités grâce à la resurrectine, un sérum imaginé par Canterel, les défunts reproduisent certains instants marquants de leur existence. Sombre, manifestant une sorte d’humour macabre, placé sous l’influence de Jules Verne et considéré comme un texte de science-fiction, Locus Solus demeure également le troisième et dernier roman achevé de Raymond Roussel. On retrouve en tous cas des allusions au récit dans le film d’animation Innocence : Ghost in the Shell 2, réalisé en 2003 : « Locus Solus » devient effectivement le nom d’une entreprise produisant des robots tuant leurs propres propriétaires. On croise également la route d’un étrange pirate informatique, habitant une maison emplie d’étranges œuvres mécaniques pareilles à celles imaginées par Roussel. Dans un autre domaine, le saxophoniste américain John Zorn a sorti en 1983 un album intitulé Locus Solus, un festival de musiques expérimentales nantais porte le même nom, et le compositeur Sean McBride a adopté le pseudonyme de « Martial Canterel ». Méprisée à l’époque, l’œuvre est on ne peut plus actuelle.

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   Au début de la guerre, R. Roussel entame la rédaction de L’Allée des lucioles, roman poétique demeuré inachevé, et racontant la visite de Voltaire et de Lavoisier à Frédéric II. Il débute aussi une vaste ode dans la lignée de La Vue, et dont les fragments constitueront les Nouvelles impressions d’Afrique, longue suite versifiée parue en 1932, qui joue sur l’homonymie et les rapprochements syntaxiques. Comportant notamment une impressionnante, et étonnante, suite de parenthèses, et qui donnent matière à différentes interprétations critiques, ces énigmatiques Nouvelles impressions sont en outre suivies de cinquante-neuf étranges photogravures, issues de dessins à la plume commandés à Henri-Achille Zo (1873-1933). Après l’armistice, Roussel entreprend un tour du monde, et séjourne notamment à Tahiti, sur les traces de Pierre Loti, qu’il admire. En 1923, il charge Pierre Frondaie de monter une luxueuse adaptation de Locus Solus, ce qui s’avère un nouveau fiasco, mais lui vaut l’attention des jeunes Dadaïstes sur fond de scandale. Estimant qu’il ne réussissait pas au théâtre car ses pièces n’étaient que des adaptations, Roussel écrit lui-même L’Étoile du front, drame censé se passer en région parisienne. Représenté le 6 mai 1924, la pièce provoque à nouveau une controverse, et même des rixes Pendant le second acte, un de mes adversaire ayant crié à ceux qui applaudissaient « Hardi la claque », Robert Desnos lui répondit : « Nous sommes la claque et vous êtes la joue ». Le mot eut du succès et fut cité par divers journaux, témoignera ainsi Roussel[7]. Le 2 février 1926 sa dernière pièce, La Poussière des soleils, est cette fois représentée au Théâtre de la Porte Saint-Martin, dans les étonnants décors de Numa et Chazot. Drame extravagant, légèrement morbide, censé se dérouler dans une Guyane de fantaisie, la pièce conquiert un public acquis aux avant-gardes, mais la critique demeure rétive.

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La « roulotte automobile », en 1926.

   Ayant renoncé à la littérature, Raymond Roussel, qui voyage dans une « roulotte automobile », sorte d’ancêtre du camping-car créé par ses soins, se passionne pour les échecs. Miné par les drogues, en proie à des soucis financiers, il publie encore ses Nouvelles impressions d’Afrique, évoquées plus haut, en 1932, puis prépare dans le détail la sortie de son ultime volume, Comment j’ai écrit certains de mes livres, opuscule qui sortira en 1935. Résolu à se reposer à Palerme, il loue, début juin 1933, une voiture, et embauche un mystérieux jeune chauffeur de taxi, dont l’identité demeure inconnue. Michel Ney[8], son neveu, assiste au départ rue Quentin-Bauchart. Âgée de cinquante-trois ans, Dufrêne, la maîtresse officielle, doit rejoindre l’écrivain plus tard. Le 14 juillet 1933, ce dernier est retrouvé mort dans sa chambre, au Grand hôtel et des Palmes, à la suite d’une overdose de barbituriques. Deux semaines auparavant, Raymond Roussel avait tenté de s’ouvrir les veines avec un rasoir. La thèse du suicide ne fait donc aujourd’hui guère débat, bien que certains évoquent une expérience aux stupéfiants qui aurait mal tourné. Le 3 août, son décès est rendu public dans le journal Paris-midi, et Michel Ney, auprès duquel R. Roussel s’est excusé de n’avoir plus un sou, se trouve nommé principal héritier. L’homme, qui avait demandé à reposer seul dans un caveau de trente-deux places (comme aux échecs) est enterré avec les siens, dans une tombe en marbre noir ornée d’un crucifix.

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Tombe de Raymond Roussel, division 89.

   Disparu en 1933, soit neuf ans après la parution du premier Manifeste, Raymond Roussel n’a jamais été surréaliste, ni même dadaïste. On dit que je suis dadaïste ; je ne sais même pas ce que c’est le dadaïsme, aurait-il ainsi déclaré, hilare, à Michel Leiris[9] En 1912, pourtant, Francis Picabia (inhumé au cimetière de Montmartre), et Marcel Duchamp (inhumé au cimetière de Rouen) assistent, enthousiastes, à la représentation des Impressions d’Afrique. Considérant Roussel comme un maître absolu, Duchamp fait beaucoup pour sa postérité, et reconnaît son influence, tandis que Robert Desnos, ou Benjamin Péret, à leur tour, se passionnent pour son style, sa force d’imagination et sa capacité d’invention. Surréaliste dans l’anecdote[10], plus grand magnétiseur des temps modernes[11] selon André Breton, l’auteur demeure l’un des grands intercesseurs du mouvement. En 1976, notamment, Salvador Dali produit ainsi un moyen-métrage sublime, visible sur les sites de partage, réalisé en hommage au poète, et fidèle à son inspiration, Impressions de la Haute-Mongolie, hommage à Raymond Roussel (cf. en bas de page). Derrière l’extravagance, une certaines illisibilité, la fantaisie soigneusement cultivée de Roussel, voire son irrévérence, se cache un grand créateur, obsédé par la recherche formelle, désireux d’explorer de nouvelles voies, de nouveaux champs, en appliquant des procédés quasi mathématiques à la langue, énoncés dans le dernier opuscule, sorte de testament littéraire, Comment j’ai écrit certains de mes livres. Doté d’une imagination débordante, également inventeur[12], Raymond Roussel n’a cessé d’être redécouvert, en particulier par les Oulipiens, et les structuralistes, qui voient en lui, à juste titre, un précurseur. À la suite de Breton, citons ainsi quelques extraits des déconcertantes, mais magnifiques, Nouvelles impressions d’Afrique :

Canto IV Les Jardins de Rosette vus d’une dahabieh (pp. 210-253)

Rasant le Nil, je vois fuir deux rives couvertes

De fleurs, d’ailes, d’éclairs, de riches plantes vertes

Dont une suffirait à vingt de nos salons

(Doux salons où sitôt qu’ont tourné deux talons

((En se divertissant soit de sa couardise

(((Force particuliers, quoi qu’on leur fasse ou dise,

Jugeant le talion d’un emploi peu prudent,

Rendent salut pour oeil et sourire pour dent;)))

Si—fait aux quolibets transparents, à la honte—

(((Se fait-on pas à tout? deux jours après la tonte,

Le mouton aguerri ne ressent plus le frais;

 

[1] L’adresse, qui sera celle de Raymond Roussel jusqu’à sa mort, correspond aujourd’hui au 20, rue Quentin-Bauchart, dans le 9ème arrondissement. L’hôtel a par ailleurs été démoli en 1950.

[2] On parle de plusieurs millions de francs-or. La fortune est alors gérée par Eugène Leiris, père de Michel Leiris, lui-même enterré dans la 97ème division, et auteur de l’essai Roussel & Co (Fata Morgana/Fayard, Paris, 1998).

[3] Cf. Comment j’ai écrit certains de mes livres, Alphonse Lemerre, Paris, 1935.

[4] Ibid.

[5] Ibid.

[6] Le nom lui-même de Martial Canterel fait référence, de manière directe, au poète romain Martial, quand le patronyme « Canterel » évoque le « Kantor », le « maitre de chapelle », le « conteur », etc.

[7] Comment j’ai écrit certains de mes livres. Ce bon mot est repris, en substance, à la fin de Lady Paname, film réalisé par Henri Jeanson, dans un dialogue entre Louis Jouvet et Maurice Nasil.

[8] Le neveu de R. Roussel est le descendant direct du maréchal Ney, noble d’Empire. Par le mariage de sa sœur, Raymond Roussel se trouve ainsi lié à la famille Bonaparte.

[9] Cité dans Roussel & Co, op. cit.

[10] Manifeste du surréalisme, 1924, page 38.

[11] Anthologie de l’humour noir, Jean-Jacques Pauvert, 1966, réédition au Livre de poche, Paris, 1984, page 291.

[12] Outre l’ancêtre du camping-car, on doit à Raymond Roussel d’a imaginé une « machine à lire » pour faciliter le déchiffrement de ses propres ouvrages. Il a également enregistré un brevet sur l’utilisation du vide, a inventé une formulation aux échecs, découvert un théorème mathématique. Pianiste de formation, il était également médaille d’or au pistolet.

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MÉMOIRE DES POÈTES XIV: GÉRARD DE NERVAL (1808-1855), cimetière du Père-Lachaise

DIVISION 49

Gérard de Nerval (1808-1855)

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Gérard de Nerval, par Nadar

   De son vrai nom Gérard Labrunie, Gérard de Nerval naît à Paris le 22 mai 1808 et se trouve immédiatement placé en nourrice à Loisy, dans le Valois, région qui restera toujours très présente dans ses œuvres. Médecin militaire attaché à l’armée impériale, son père, Etienne Labrunie, est envoyé en Allemagne, et notamment à Gross-Glogau, en Silésie, où sa jeune épouse, épuisée par le froid et par les voyages, meurt fin 1818. Orphelin de mère, le futur écrivain est éduqué par son oncle Antoine Boucher à Mortefontaine. Comme il le racontera en 1854 dans Promenades et souvenirs, il ne revoit son père que bien plus tard, et s’installe avec lui dans la capitale en 1814, rue Saint-Martin : J’avais sept ans et je jouais, insoucieux sur la porte de mon oncle quand trois officiers parurent devant la maison ; l’or noirci de leurs uniformes brillait à peine sous leurs capotes de soldat. Le premier m’embrassa avec une telle effusion que je m’écriai “Mon père !… Tu me fais mal !”. De ce jour mon destin changea.  Entré au lycée Charlemagne en 1822, Gérard se lie d’amitié avec Théophile Gautier. Il écrit alors ses premiers poèmes, et compose même un recueil entier, intitulé Poésies et poèmes de Gérard L., 1824, et donné à son ami Arsène Houssaye en 1852. En 1826 paraissent ses Élégies nationales, à la gloire de Napoléon, ainsi que plusieurs satires dirigées contre l’Académie française qui a préféré Charles Brifaut, aujourd’hui oublié, à Lamartine, toujours célébré. Début 1828 paraît également sa traduction de Goethe. La même année, au mois de mai, Nerval entre en apprentissage chez un notaire pour contenter son père, puisque l’homme voit d’un mauvais œil les aspirations littéraires de son fils.

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La bataille d’Hernani, 23 février 1830

  Le 23 février 1830, convoqué par Hugo, il n’en fait pas moins partie du claque de la bataille d’Hernani. Vêtus de rouge, les jeunes Romantiques défendent la pièce, alors violemment attaquée par les auteurs classiques, qui en dénoncent l’audace dramatique et stylistique. Nerval, qui publie de nouvelles traductions de poésies allemandes, abandonne bien vite toute activité professionnelle, et, lié au Petit-Cénacle groupé autour du sculpteur Jehan Duseigneur, effectue deux séjours à la prison Sainte-Pélagie pour tapage nocturne. Il y rencontre notamment le mathématicien surdoué Évariste Gallois, comme il le racontera dans ses Petits châteaux de Bohème. En 1831, il adopte son pseudonyme définitif en souvenir du Clos-de-Nerval, lieu-dit près de Loisy, dans le Valois. Le Prince des sots et Lara, ses premières pièces de théâtre sont alors données à l’Odéon. Toujours officiellement étudiant en médecine, il assiste également son père pour soigner l’épidémie de choléra qui sévit dans la capitale l’année suivante.

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Jenny Colon (1808-1842)

    On pense que l’écrivain aurait rencontré une première fois la jeune actrice Jenny Colon en 1833. Séparée de l’acteur Pierre-Chéri Lafont, la comédienne exerce immédiatement une profonde fascination sur Gérard, qui entre en rivalité avec le banquier William Hope. Poursuivant sa vie de bohême aventureuse, et riche de l’héritage familial légué par son grand-père, Nerval visite à la fois le Midi et également l’Italie du Sud, qui aura un profond écho dans son œuvre, notamment sur Les Chimères, où se trouve évoqué Naples, et le Pausilippe altier : Je pense à toi, Myrtho, divine enchanteresse/Au Pausilippe altier, de mille feux brillants (« Myrtho »). Gérard s’engage alors dans la désastreuse aventure du Monde dramatique, revue conçue pour célébrer Jenny Colon, et qui, dès 1835, le laissera profondément endetté. Ses amis du Cénacle de la « Bohême galante » regroupée impasse du Doyenné autour de T. Gautier, et d’Arsène Houssaye (1814-1896) l’aident néanmoins après la liquidation du journal en juin. Grâce à Alphonse Karr (1808-1890), Nerval signe ainsi plusieurs articles dans Le Figaro, et dans La Charte de 1830, feuille favorable à la politique de François Guizot (1787-1874), ministre de l’Intérieur. Co-écrit avec Alexandre Dumas, dont seul le nom apparaît pourtant sur le livret, accompagné par la musique d’Hippolyte Monpou (1804-1841), Piquillo n’attire pas les foules à l’Opéra-Comique. Jenny Colon[1], qui interprète le personnage de Sylva, fait un mariage de raison avec le flûtiste Leplus. Elle mourra en 1842, à trente-trois ans seulement, épuisée par ses maternités et par les tournées en province. Nerval, de son côté, voyage en Allemagne, et, à court d’argent, compose le drame Léo Burckart, en août-septembre 1838. Plusieurs pièces sont alors données, parmi lesquelles L’Alchimiste (co-écrite une nouvelle fois avec Dumas, représentée à la Renaissance), et Léo Burckart, dans une version remaniée. L’écrivain traverse une première phase de dépression nerveuse, et connaît de nombreux soucis financiers. Le gouvernement de Louis-Philippe, qui a retardé la représentation de ses œuvres du fait de la censure dramatique, lui offre alors la possibilité de partir en Autriche pour une mission officieuse, en octobre 1839. Il y rencontre notamment Franz Liszt et Maria Pleyel.

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   À Paris, il poursuit son travail journalistique, avant de repartir en 1840 pour Bruxelles, à l’occasion d’une nouvelle représentation de Piquillo, en décembre. Il y voit Jenny Colon pour la dernière fois. Malheureux, criblé de dettes, Nerval fait une première crise de folie en février 1841, et, en mars, entre dans la clinique du Docteur Blanche, à Montmartre. Aidé financièrement par des amis, Nerval prend le bateau à Marseille fin 1842, séjourne en Grèce, au Liban, en Turquie, à Malte, d’où il rapporte son magnifique Voyage en Orient, paru en 1851. Les années suivantes, il poursuivra ses excursions en Flandres, aux Pays-Bas, et en Angleterre, tout en effectuant de petits trajets en région parisienne, promenades dont les Souvenirs et les nouvelles des Filles du feu gardent l’empreinte. Parallèlement, il écrit son drame Les Monténégrins, et collabore à divers périodiques, ce qui lui permet de rencontrer Félix Tournachon, dit Nadar, qui le photographie, dans un portrait demeuré célèbre. Ses traductions d’Heinrich Heine, corrigée avec l’auteur lui-même en mars 1848, paraissent dans La Revue des Deux-Mondes. Une nouvelle crise de folie l’amène à la clinique du Docteur Aussandon, en avril 1849, ce qui ne l’empêche pas de participer à diverses revues ésotériques.

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La clinique du Docteur Blanche, à Montmartre.

   Les années suivantes sont dominées par l’instabilité, mais demeurent les plus fécondes, d’un point de vue strictement littéraire. Effectuant de nouveaux aller-retours entre l’Allemagne, la France, la Belgique, et la banlieue parisienne, Nerval poursuit une intense activité théâtrale et journalistique, tout en subissant divers internements. En 1852, il signe un contrat de publication pour Les Petits Châteaux de Bohême, récit en prose qui évoque les années de jeunesse, à l’instar des Nuits d’octobre. En décembre 1853, il achève l’écriture de plusieurs chefs d’œuvre, passés à la postérité : Les Contes et facéties, Les Filles du feu suivies des sonnets des Chimères. En mars 1854, ayant reçu de l’argent pour mener une mission en Orient pour le gouvernement, il doit renoncer à tout départ lointain, du fait de ses soucis de santé. Toujours aidé par l’État grâce à un système de bourse, Gérard n’en part pas moins outre-Rhin en mai, et rend hommage à sa mère à Glogau. Début août, il revient à la clinique du docteur Blanche, et y écrit Aurélia, récit cathartique, sur les conseils du médecin. L’intervention de la Société des Gens de Lettres provoque sa « libération », en octobre. Ruiné, Gérard se retrouve sans domicile fixe, à l’approche de l’hiver. Le 20 janvier 1855, Théophile Gautier et Maxime Du Camp le voient à La Revue de Paris. Cinq jours plus tard, après avoir dîné dans un cabaret des Halles, il erre en plein Paris, par moins dix-huit degrés. La nuit sera blanche et noire aurait-il écrit. Le lendemain matin, à l’aube, il se pend à une grille, rue de la Vieille-Lanterne, non loin de l’actuel théâtre du Châtelet. Il n’a que quarante-six ans.

  nervalMalgré son suicide, et malgré ses orientations païennes, Nerval a droit à une cérémonie religieuse à Notre-Dame, puis on l’inhume dans la 49ème division, juste en face de Balzac, et non loin de Charles Nodier, sous une magnifique colonne en marbre blanc surmontée d’un vase, sans crucifix, avec pour seule inscription son nom de plume. Un lecteur a récemment y a accroché un homard en plastique : la légende veut effectivement que le poète se soit baladé avec un crustacé tenu en laisse sur les marches du Palais-Royal :  » En quoi un homard est-il plus ridicule qu’un chien, qu’un chat, qu’une gazelle, qu’un lion ou toute autre bête dont on se fait suivre ? J’ai le goût des homards, qui sont tranquilles, sérieux, savent les secrets de la mer, n’aboient pas… », aurait-il déclaré aux passants intrigués.

  Mort en 1855, Nerval n’a évidemment jamais fait partie du mouvement surréaliste, et ne figure pas dans la fameuse Anthologie de l’humour noir. André Breton n’en n’éprouve pas moins une profonde admiration pour un des grands intercesseurs du mouvement, quand Antonin Artaud, interné à Rodez, évoque fréquemment, un siècle après, son compagnon d’infortune. Appartenant, comme Pétrus Borel (inhumé en Algérie), au romantisme tardif, Nerval, dans ses derniers textes, témoigne d’un profond drame intérieur, et développe un univers onirique extrêmement riche, ce que l’universitaire Jean-Pierre Richard appelle géographie magique dans l’essai Poésie et profondeur[2]. Ayant été initié aux mystères druzes lors de son voyage en Syrie, le poète, qui, déclare avoir au moins dix-sept religions, rend d’ailleurs hommage à Jacques Cazotte ou à Restif de la Bretonne, à travers une série de courts récits biographiques parue en 1852, Les Illuminés. Teintée d’occultisme, de références ésotériques et alchimiques, son œuvre, à l’instar des Chants de Maldoror, annonce ainsi clairement l’esthétique surréaliste. Le rêve est une seconde vie lisons nous ainsi au début d’Aurélia, sous la plume du poète maudit. Citons, pour terminer, ces célèbres et très beaux vers tirés des Odelettes, et qui témoignent assez bien d’un art tour à tour léger et grave :

Fantaisie

Il est un air pour qui je donnerais
Tout Rossini, tout Mozart et tout Weber,
Un air très vieux, languissant et funèbre,
Qui pour moi seul a des charmes secrets!

Or, chaque fois que je viens à l’entendre,
De deux cents ans mon âme rajeunit…
C’est sous Louis treize; et je crois voir s’étendre
Un coteau vert que le couchant jaunit,

Puis un château de brique à coins de pierre,
Aux vitraux teints de rougeâtres couleurs,
Ceint de grands parcs, avec une rivière
Baignant ses pieds, qui coule entre des fleurs.

Puis une dame, à sa haute fenêtre,
Blonde aux yeux noirs, en ses habits anciens,
Que, dans une autre existence peut-être,
J’ai déjà vue… et dont je me souviens !

Ulysse et Calypso - Arnold_Böcklin - wiki

« Ulysse et Calypso », Arnold Böcklin

[1] Cette dernière est enterrée au cimetière de Montmartre, dans la division 22, en compagnie de son mari, non loin des surréalistes Philippe Soupault, Victor Brauner et Jacques Rigaut.

[2] Seuil, 1955.

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Clovis Trouille, La grasse matinée ou la momie somnambule

Grande émotion hier. Ayant quitté le Louvre à 18 heures, et m’étant, comme chaque samedi soir de travail, offert un ballon de rosé au comptoir d’un bar attenant, je me balade nonchalamment le long des quais, en observant distraitement les manège des bouquinistes, sous le jeune soleil de juin. Le téléphone sonne, et un numéro inconnu s’affiche. Pressentant je ne sais quelle démarche publicitaire, ou je ne sais quel arnaqueur en manque de pigeons, j’hésite tout d’abord à répondre, puis m’y résout. Une voix de vieille dame, chevrotante, cassée, me répond:

« Bonjour Monsieur Ruhaud. Je suis Madame Denise Alleau, veuve de René Alleau. Vous m’avez écrit récemment.

_ Euh, oui, Madame… C’est-à-dire, je ne pensais pas que vous me rappelleriez.

_ Non, jeune homme. Vous savez, je suis fatiguée, j’ai quatre-vingt quinze ans, mais votre lettre m’a fait plaisir. »

  Surpris, et néanmoins heureux, je dialogue avec la dame en question. Replaçons tout d’abord le contexte: il y a quelques jours, effectuant des recherches autour du surréalisme, et désirant retrouver la trace, éventuellement la sépulture, de l’occultiste et historien René Alleau, auteur de nombreux articles de l’Encyclopedia Universalis et d’un célèbre Guide de la France mystérieuse, j’écris une lettre à Denis Alleau, dont l’adresse m’a été donnée par David Nadeau, surréaliste québécois (sans parenté aucune avec l’éditeur du même nom. « Nadeau », qui signifie « Noël » en occitan, est un patronyme assez répandu en Charentes et dans tout le Sud de l’Hexagone). Je ne pense pas, alors, obtenir de réponse, et encore moins un coup de fil. Et pourtant si. Et quel appel! Longuement, Madame Alleau et moi, nous parlons du travail de feu René, des conférences au cours desquelles ils se rencontrèrent, elle et lui, au début des années 50. Plus encore, nous évoquons Breton, devenu intime, et qui passait souvent manger à leur domicile parisien, parfois avec Benjamin Peret… De tels témoignages sont évidemment parmi les derniers, puisque les témoins de cette révolution artistique s’éteignent progressivement.

« René est enterré au cimetière de Vallaubrix, dans le Gard. Il voulait une tombe comme celle de son ami Benjamin Peret, aux Batignolles, je crois, avec un buisson, du gazon. René aimait beaucoup Benjamin et André… Bon, mais c’est dur à faire pousser dans le Sud. Bref, il est là, et c’est là que je vis désormais! Je mets de l’ordre dans ses papiers. Vous savez, il travaillait énormément jusqu’à sa mort. Si vous voulez, vous trouverez sa correspondance avec André à la bibliothèque Jacques Doucet. Je vous donne aussi quelques noms d’anciens que vous pouvez contacter…

_ Merci beaucoup, Madame! »

   Quel moment! Non loin de la rue de la Vieille Lanterne, où mourut Nerval, une nuit de janvier, il me semble entendre une voix au loin, venue du passé, en traversant les Pont des Arts.

Le_guide_de_la_France_mysterieuse

 

 

MEMOIRE DES POÈTES XIII: ANDRÉ PIEYRE DE MANDIARGUES ET SA FEMME BONA (Cimetière du Père-Lachaise)

André Pieyre de Mandiargues peint par sa femme Bona

André Pieyre de Mandiargues peint par sa femme Bona

DIVISION 14
Né le 14 mars 1909 à Paris au sein d’une famille calviniste aisée d’ascendance à la fois languedocienne et normande, André Pieyre de Mandiargues est un élève médiocre qui s’ennuie à l’école. Devenu rentier avant même sa majorité grâce à l’héritage paternel, il entame une licence de Lettres, puis, fasciné par la civilisation étrusque, étudie l’archéologie tout en parcourant l’Europe et le Proche-Orient. Il fréquente aussi assidûment le milieu littéraire et artistique de la capitale, et se lie d’amitié avec le photographe Henri Cartier-Bresson, Lanza del Vasto, mais également les surréalistes Léonora Carrington (1917-2011, inhumée à Mexico), Léonor Fini (1918-1996), avec laquelle il vivra un temps, et Max Ernst (1891-1976. Ses cendres reposent au columbarium, case 2102). En 1943, réfugié à Monte-Carlo pour fuir la guerre, André Pieyre de Mandiargues publie à compte d’auteur Dans les années sordides. Suite de singuliers poèmes en prose, riches en images et en métaphores, ce premier recueil illustre les obsessions propres au créateur, son érotisme, mais aussi une certaine attirance pour le macabre, une esthétique à la fois fantasque et morbide. En 1963, La motocyclette le révèle au grand public. Très singulier, le récit décrit le péril de Rébecca : âgée de dix-neuf ans, la jeune amazone quitte le domicile conjugal, en Alsace, pour rejoindre, à moto, la ville allemande d’Heidelberg, où l’attend son amant. Le livre procède, une nouvelle fois, d’une puissante et puissante sensualité. Ayant reçu le prix Goncourt en 1967 pour son roman La marge, qui décrit l’errance d’un homme traumatisé à Barcelone, puis le Grand Prix de poésie de l’Académie française en 1979, André Pieyre de Mandiargues continue à écrire romans et poèmes jusqu’à sa mort, le 13 décembre 1991. À l’âge de quatre-vingt-deux ans, ce grand collectionneur d’objets pornographiques, qui a préfacé Pierre Loüys, laisse derrière lui une importante œuvre, qui compte également d’intéressants essais et traductions, parmi lesquelles celles d’Octavio Paz, qu’il contribue à faire découvrir au public hexagonal, mais aussi celles de William Butler Yeats ou de Yukio Mishima. Moins connues sans doute, ses correspondances avec Jean Paulhan ou Francis Ponge sont également très riches, et révèlent une sensibilité complexe, un grand éclectisme. Pieyre de Mandiargues, qui n’a jamais à proprement parler fait partie du groupe surréaliste, mais qui l’a fréquenté, tout en consacrant plusieurs textes à Arcimboldo (Arcimboldo le merveilleux, Robert Laffont, 1977), Hans Bellmer (Le Trésor cruel de Hans Bellmer, Le Sphinx, Paris, 1979), peut être rattaché, du fait de son inspiration, au courant. Procédant d’un univers fantasmatique trouble, et d’un imaginaire débordant, quoique habilement maîtrisé, les livres de Pieyre de Mandiargues, poursuivent l’inspiration de Breton, et y participent. Toujours redécouverts, ces derniers ont parfois été portés à l’écran : en 1976, La Marge est ainsi adaptée par Walerian Borowczyk (1923-2006, inhumé au Vésinet, dans les Yvelines), quand une version filmée de la nouvelle « La Marée » constitue la première saynète des Contes immoraux, où nous retrouvons Fabrice Luchini. André Pieyre de Mandiargues se situe au cœur d´un blason baroque qui s´ouvre des poètes élisabéthains au surréalisme, du dolce stil nuovo au romantisme allemand. Chez lui se réconcilient le rêve méditerranéen et le songe nordique, au soleil noir étincelant d´Eros, écrit Salah Stétié (in Mandiargues, Seghers, Paris, 1978).

Pieyre de Mandiargues et sa femme Bona

Pieyre de Mandiargues et sa femme Bona

   D’abord inhumé dans la trente-cinquième division, André Pieyre de Mandiargues repose aujourd’hui dans la quatorzième, aux côtés de son épouse, Bona Tibertelli de Pisis (1926-2000). Nièce de l’artiste ferrarais Filippo de Pisis, cette dernière apprend la peinture dans un institut de Modène, puis vient à Paris, où elle fréquente les surréalistes, avant d’épouser l’homme de lettres en 1950. Très amoureux, ce dernier consacre un essai au travail de sa femme, Bona, l’amour et la peinture (éditions Skira, Genève, 1971). Exposée à la fondation Berggruen, en Allemagne, puis à Milan, dans son pays d’origine, Bona découvre la technique du collage lors d’un voyage au Mexique en 1958, et en fait son mode d’expression plastique préféré. Également auteure, Bona a écrit un récit (La cafarde, Mercure de France, 1967), une autobiographie (Bonaventure, Stock, 1977), et des Poèmes (Fata Morgana, 1988). Elle figure également dans le très beau livre de Georgiana Colvile, Scandaleusement d’elles. Trente-quatre femmes surréalistes (Jean-Michel Place, Paris, 1999).

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Photo trouvée sur le site de l’APPL (Association des Amis du Père Lachaise)

PS: Selon certaines sources, la tombe d’André Pieyre de Mandiargues se trouverait en réalité dans la treizième division du Père-Lachaise. Je vérifierai et apporterai une correction si nécessaire très prochainement.

MEMOIRE DES POETES XII, LARS BO (1924-1999), division 87 du Père-Lachaise (columbarium)

Photo de Christopher Lancaster, tous droits réservés.

Photo de Christopher Lancaster, tous droits réservés.

DIVISION 87 :
Situé au sommet de la colline, dans la partie Est (non loin de la porte Gambetta), le crématorium et le columbarium occupent toute la surface de la quatre-vingt septième division, soit environ 4900 mètres carrés. En 1883, le conseil municipal de Paris en confie la conception à l’architecte Jean-Camille Formigé (1845-1926). Les travaux durent plus de vingt ans, et le lieu est d’abord dédié à l’élimination des déchets provenant des hôpitaux. Il faut encore attendre la loi du 15 novembre 1887 pour que la crémation humaine soit autorisée, et le 30 janvier 1889 pour qu’un corps soit officiellement incinéré, ce qui est une première en France. Longtemps marginale, cette pratique n’est tolérée par l’église catholique qu’en 1969, et, avant cette date, relève généralement du choix idéologique. Militants de gauche, syndicalistes, anarchistes, libres penseurs et francs-maçons optent ainsi pour la crémation par anticléricalisme. Plus tragique peut être, les premières victimes du sida, tels les intellectuels Jean-Paul Aron (1925-1988), Guy Hocquenghem (1946-1988), préfèrent qu’on brûle leur dépouille, pour, pensent-ils, éliminer toute trace du virus. Notons également la forte représentation de personnes d’origine étrangère, présence qui peut être diversement appréciée. Avec cinq fours, le crématorium réalise aujourd’hui près de 5000 crémations sur demande des familles par an, et 2500 crémations administratives par an, contre seulement 49 en 1889. C’est dire si les mentalités ont changé. Par-delà l’évolution des mœurs et le phénomène de déchristianisation, le choix de la crémation, nettement moins onéreuse que l’inhumation, repose aussi sur des motifs d’ordre financier.
Actuellement, les cendres des défunts sont bien souvent remises à leurs proches, ou dispersées dans la 77ème section, sur la pelouse ombragée du jardin cinéraire. Nombre de personnes choisissent toutefois de reposer dans le columbarium. Construit suite à une délibération du Conseil municipal, en 1890, le premier columbarium, placé le long du mur d’enceinte du cimetière, ne compte au départ que 300 cases environ. Développé sur quatre faces, autour du crématorium, pour reprendre les termes de Formigé, le nouveau columbarium regroupe ensuite 600 cases en 1893, 850 en 1895, et enfin 40800 environ, réparties sur plusieurs niveaux : deux en sous-sol, et deux à l’extérieur. L’ensemble crématorium et columbarium se compose ainsi maintenant de quatre ailes, entourant une chapelle de goût néo-byzantin, constituée de bandes horizontales en pierre blanches et noires, disposées de manière successive pour former un édifice bicolore, surmonté d’un vaste dôme de gré et de brique, orné des vitraux de Carl Mauméjean (1888-1957), flanqué de trois petites demi-coupoles et de deux grosses cheminées. Le sculpteur franco-polonais Paul Landowski (1875-1961), auteur du célèbre Christ monumental de Rio de Janeiro, a lui réalisé, entre 1943 et 1954, Le retour éternel, magnifique bas-relief d’une des cinq pièces souterraines destinées aux familles. Le lieu est inscrit aux monuments historiques depuis le 17 janvier 1995.

Lars Bo en compagnie de ses parents. Tous droits réservés.

Lars Bo en compagnie de ses parents. Tous droits réservés.

LARS BO, (case numéro 18581) :
Né le 29 mai 1924 à Kolding, dans le Jutland, d’un père architecte et aquarelliste amateur, Lars Bo étudie d’abord à l’université des Arts appliqués de Copenhague, puis auprès du peintre figuratif Peter Rostrup Bøyesen (1882-1952), au Statens Museum for Kunst , avant d’intégrer l’École danoise de design, de 1941 à 1943. Ses dessins paraissent alors dans la presse. Résistant, Lars Bo gagne Odense, sur l’île Fionie, puis, après la guerre, voyage en Europe, pour finalement s’installer à Paris, dès 1947. Il y apprend la gravure auprès d’Albert Flocon (de son vrai nom Albert Mentzel, 1909-1994) et de Johnny Friedlaender (1912-1992), tous deux Allemands et antinazis à l’Atelier de l’Ermitage, et parfait sa formation à l’Atelier 17, créé par Stanley William Hayter (1901-1988). Ayant exposé en Suède et dans son pays natal, Lars Bo se lance dans une carrière d’illustrateur, en 1952, tout en collaborant, un temps, au journal Le Monde. Il connaît alors un très vif succès, et ses images accompagnent des auteurs très variés, tels Voltaire, Nerval, Robert Giraud (1921-1997), Boris Vian (1929-1959), ou encore son compatriote Hans Christian Andersen. Également écrivain, il publie le roman fantastique, toujours inédit en français, Det vidunderlige hus i Paris (La merveilleuse maison de Paris), en 1954, ainsi que deux livres pour enfants : Sous les yeux de l’Afrique, carnet de chasse et L’Oiseau de Lune. En 1969, il retourne à Copenhague et réalise les décors du Lac des Cygnes sur une chorégraphie de Flemming Flindt, pour le théâtre national. Reconnue aux États-Unis, dans toute l’Europe et au Japon, son œuvre, qui compte plus de 400 gravures, est très proche, par ses thématiques, par le primat de l’imaginaire, du surréalisme. Lars Bo nous a quittés le 21 octobre 1999.

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MEMOIRE DES POETES IX: JACQUES-HENRI BERNARDIN DE SAINT-PIERRE (1737-1814) AU PÈRE-LACHAISE

STATUE DE BERNARDIN DE SAINT PIERRE AU JARDIN DES PLANTES DE PARIS

STATUE DE BERNARDIN DE SAINT-PIERRE AU JARDIN DES PLANTES DE PARIS

 

CIMETIÈRE DU PÈRE-LACHAISE, (16 rue du Repos, 75020 PARIS métro Père-Lachaise, ligne 2)

DIVISION 11

Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre (1737-1814)

  Né le 17 janvier 1737 au Havre, Jacques-Henri Bernardin de Saint-Pierre s’enthousiasme dès l’enfance pour Robinson Crusoé, et voyage avec son oncle, capitaine de navire, jusqu’en Martinique. Revenu en Normandie, et écœuré par la vie maritime, il étudie chez les Jésuites, à Caen, à Rouen, et enfin à Versailles, à l’École Royale des Ponts et Chaussées, où il obtient le grade d’ingénieur militaire. Il intègre l’armée à Düsseldorf, mais son insubordination lui vaut d’être révoqué, et de rentrer en France dès 1760. Sans ressources, il retourne brièvement sous les drapeaux l’année suivante, pour se rendre à Malte, alors menacée par une invasion turque, et survit péniblement en donnant des cours de mathématiques à Paris. On le retrouve ensuite intriguant en Hollande, en Russie, à la cour de l’impératrice Catherine, puis en Pologne, où il tombe fou amoureux de la belle-princesse Marie-Caroline Radziwiłł, et enfin en Prusse, à Dresde et à Berlin. En 1766, complètement ruiné, l’homme loue une chambre chez un curé, à Ville-d’Avray, et commence à rédiger ses Mémoires. Ses projets littéraires sont néanmoins interrompus par un nouveau départ, cette fois en Île de France (actuelle île Maurice), en 1768. Bernardin de Saint-Pierre, qui a obtenu un nouveau grade de capitaine-ingénieur, découvre avec tristesse un pays ravagé par la déforestation massive et la spéculation féroce. Ce faisant, il convainc le gouverneur de l’île de protéger les forêts primaires, et lance ainsi l’un des premiers programmes de sauvegarde écologique. Revenu, cette fois définitivement, à Paris en 1771, le botaniste-aventurier fréquente assidûment la Société des gens de Lettres ainsi que le salon de Madame de Lespinasse, où il rencontre d’Alembert, et également Jean-Jacques Rousseau, avec qui il se lie d’une profonde amitié, non sans partager sa mélancolie. En 1773 paraît son Voyage à l’Île de France, à l’île Bourbon et au cap de Bonne-Espérance, par un officier du Roi (Amsterdam et Paris, 2 volumes, in octavo), épais récit sous forme de lettres à un ami. Longuement méditées, et longuement préparées, ses célèbres Études sur la nature sont publiées onze ans plus tard. Bernardin de Saint-Pierre y développe sa théorie du finalisme anthropocentrique, doctrine selon laquelle tout, dans le monde, serait fait pour l’homme, pour son confort. Citons ainsi le chapitre XI de la section Harmonies végétales des plantes avec l’homme :

Il n’y a pas moins de convenance dans les formes et les grosseurs des fruits. Il y en a beaucoup qui sont taillés pour la bouche de l’homme, comme les cerises et les prunes ; d’autres pour sa main, comme les poires et les pommes ; d’autres beaucoup plus gros comme les melons, sont divisés par côtes et semblent destinés à être mangés en famille : il y en a même aux Indes, comme le jacq, et chez nous, la citrouille qu’on pourrait partager avec ses voisins. La nature paraît avoir suivi les mêmes proportions dans les diverses grosseurs des fruits destinés à nourrir l’homme, que dans la grandeur des feuilles qui devaient lui donner de l’ombre dans les pays chauds ; car elle y en a taillé pour abriter une seule personne, une famille entière, et tous les habitants du même hameau.

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  Aujourd’hui quelques peu oubliées, et jugées fantaisistes, ces Études connaissent à l’époque un succès immédiat. Brusquement sorti de l’ombre, Bernardin de Saint-Pierre va alors habiter un luxueux appartement, au 21 quai des Grands-Augustins (dans l’actuel sixième arrondissement). L’expérience vécue sur l’île Maurice, et ses peines de cœur, lui inspirent l’écriture de ce qui reste son chef d’œuvre, et aussi le seul de ses livres à être passé à la postérité. Sorti en 1787, ce court roman décrit les malheurs de deux enfants innocents, issus de familles différentes et élevés en tant que frère et sœur, tels Adam et Ève, dans un jardin virgilien, édénique au bord de l’Océan Indien. Amoureuse de Paul, la chaste Virginie est brusquement arrachée à sa terre natale, et envoyée en métropole, pour hériter d’une tante qu’elle ne connaît pas, et recevoir une éducation digne de son rang. Profondément malheureuse loin de son amant, Virginie revient quelques années plus tard, mais, pris dans la tourmente, le vaisseau qui la ramène échoue sur les rochers, sous les yeux de Paul, qui meurt de chagrin. Le pessimisme de l’auteur, qui, dans une vision rousseauiste et préromantique, oppose la civilisation corrompue à une nature idyllique, séduit rapidement ses contemporains. Les adaptations artistiques, gravures et peintures, fleurissent jusqu’au XIXème siècle. En 1841, dans Le curé du village, Honoré de Balzac[1] (1799-1850) parlera d’un des plus touchants livres de la langue française […] par la main du Génie. En 1857, dans Un cœur simple, Gustave Flaubert (1821-1880) prénommera Paul et Virginie les deux enfants de Madame Aubain, et Paul et Virginie fera partie des lectures d’Emma, dans Madame Bovary. Disciple de Flaubert, Guy de Maupassant (1850-1893), évoquera lui aussi Paul et Virginie dans Bel-Ami, en 1885, et, plus récemment, certains ont vu dans Le Chercheur d’or de J.M.G. Le Clézio, une réécriture du fameux récit. Enfin, Jean-Luc Godard rendra un discret hommage à Bernardin de Saint-Pierre dans Pierrot le fou; en 1965, un feuilleton reprenant l’intrigue sera diffusé à la télévision en 1974; en 1992, une comédie musicale sera montée par le metteur en scène Jean-Jacques Debout… C’est dire si Paul et Virginie, composé dans un style ample et poétique, mêlant, selon Sainte-Beuve (1804-1869), la suavité et la lumière, demeure actuel.

   En 1792, Bernardin de Saint-Pierre épouse Félicitée Didot, de trente ans sa cadette, et devient intendant du Jardin des Plantes, où sa statue, accompagnée de celle de Paul et Virginie, se dresse toujours. Sa place est supprimée l’année suivante, et, fin 1794, il est appelé à enseigner la morale à l’École normale de l’an III, créée par la Convention. Piètre orateur, il n’y fera que trois apparitions, et se trouve finalement nommé membre de l’Institut de France en 1795, dans la classe de langue et de littérature, où il se brouille avec ses collègues, notamment Cabanis (1757-1808). Pestant contre l’athéisme, Bernardin de Saint-Pierre soutient à partir de 1797 le culte révolutionnaire de la théophilantropie, qui vise à renforcer la république en donnant une nouvelle foi aux Français, en remplacement du catholicisme, lié au pouvoir royal. Il entre à l’Académie française en 1803.

   Sa première femme qui lui a laissé un fils, Paul, disparu très tôt, et… Virginie, (qui, elle, épousera le général Marie Joseph Gazan), décède en 1800. Bernardin de Saint-Pierre se remarie avec une des filles du libelliste Anne-Gédéon de la Fitte de Pelleport, Désirée, qui elle-même se remariera avec l’homme de lettres Louis-Aimé Martin. Le 21 janvier 1814, l’écrivain-scientifique, s’éteint paisiblement dans sa campagne d’Éragny, au bord de l’Oise, à l’âge de soixante-dix-sept ans. Hormis Paul et Virginie, ses livres ne sont plus guère lus. Évoquons malgré tout La chaumière indienne et Le Café de Surate, deux petits contes satiriques publiés en 1790 et magnifiquement écrits, mais peut être aussi l’étonnante Arcadie, publiée cette fois neuf ans plus tôt, long poème en prose et description utopique d’une république idéale, débarrassée de toute violence. L’homme repose désormais sous une dalle toute simple au pied d’un mur, émouvante de sobriété, et indiquée sur le plan fourni à l’entrée.

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TOMBE DE BERNARDIN DE SAINT-PIERRE (division 11), photographie personnelle.

[1] Enterré dans la 48ème division.

MEMOIRE DES POETES VII: CIMETIERE DE PANTIN (2), ILARIE VORONCA (1903-1946)

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    J’ai évoqué, la semaine dernière, la sépulture d’André Hardellet, enterré à Pantin, dans le plus grand cimetière d’Europe. Je parle aujourd’hui d’un autre homme malheureux, le poète juif roumain Ilarie Voronca, inhumé cette fois dans la division 110 de ce monstrueux ensemble, et auteur de vers sensibles.

Division 110 : De son vrai nom Eduard Marcus, Ilarie Voronca naît le 31 décembre 1903 à Brâlia, en Roumanie, au sein d’une famille juive. Étudiant en droit, il collabore dès 1922 à divers mouvements littéraires, puis fonde en 1923 75 HP avec la peintre surréaliste Victor Brauner (1903-1966). La revue se caractérise notamment par une grande audace typographique, et Voronca y définit les principes de la « Pictopoésie », superposition de surfaces géométriques, différenciées selon les couleurs et les reliefs ou les mots inscrits soutiennent par leur rythme le sens de la composition plastique. Passé par plusieurs autres groupes d’avant-garde, dont Dada, l’écrivain se fera par la suite chantre de l’intégralisme, synthèse des tendances qu’il a lui-même incarnées : le vrai mot, personne ne l’a dit encore : cubisme, futurisme, constructivisme, ont débouché sur le même point hardi : la SYNTHÈSE écrit-il ainsi dans le numéro 6/7 de la revue Punct, en 1925. Fuyant les « ténèbres balkaniques », Voronca et sa femme Colomba s’installent à Paris en 1933. Ils obtiendront la nationalité française cinq ans plus tard. Voronca, qui travaille pour une compagnie d’assurances afin de survivre, écrit directement dans la langue de Molière, et veut désormais dépasser l’individualité pour devenir le chantre de la foule. Sous l’Occupation, il se cache à Marseille, avant de participer au maquis de Rodez, puis de rentrer dans la capitale. Ayant composé plus d’une vingtaine de livres, en roumain et en français, reconnu comme un grand par ses pairs mais rongé par un mal secret, Ilarie Voronca se suicide au soir du 4 avril 1946, à quarante-deux ans seulement. Un prix littéraire, organisé dès 1951 dans le Rouergue, porte désormais son nom.

   Dans une superbe monographie, Voronca, le poète intégral[1], Christophe Dauphin raconte comment son collectif, crée en 2010, a honoré la mémoire du poète en sauvant une tombe très dégradée, et menacée de disparition. Posée sur une dalle en marbre veiné, flambant neuf, une plaque ornée du visage inspiré de Voronca accompagné d’une plume et de deux colombes reproduit les vers suivants, comme pour conjurer le désespoir : Rien n’obscurcira/La beauté de ce monde. Savourons également ces deux magnifiques quatrains, tirés de La poésie commune, et publiés en 1936 :

Nous approchons de la mer, des lumineux rivages

D’où chacun peut voir le lever des soleils, des îles.

Toutes ces voix d’enfants arrêtent les naufrages

Le vent les fait venir avec d’autres parfums, des villes.

 

Que faire encore ? Autour d’une nouvelle tristesse

Comme une écriture inconnue, tout-à-coup sur une page.

On joue à colin-maillard : « Ferme les yeux. Qui est-ce ?

Devine. » Et c’est la mort qui couvre ton visage.

N.B. : la tombe d’Ilarie Voronca (1903-1946), est indiquée sur le plan fourni à l’entrée du cimetière.

[1] Editinter/Rafaël de Surtis, Cordes-sur-Ciel, 2011.

Tombe d'Ilarie Voronca en 2010, avant le travail de restauration opérée par Christophe Dauphin et à son collectif.

Tombe d’Ilarie Voronca en 2010, avant le travail de restauration opérée par Christophe Dauphin et son collectif.

La même tombe, en décembre 2014.

La même tombe, en décembre 2014.

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